DON QUIJOTE GRABADO EN NUESTRA MENTE

DIBUJO GRABADO

Dualidad de la que emergió

Todo aquello 

que hoy llamamos

ARTE,

Prácticamente son 

gemelos,

de parición y aparición

casi simultánea.

Al primero le basta un dedo

con algún tipo de tinta

para trazar la visión 

del sentido

del pensamiento.

Al otro, le son indispensables

las manos

y los músculos de la Fuerza

para zurcar 

la dureza de la piedra

desde sus prístinos orígenes.

RAH

Desde que sobre las piedras fueron grabados los glifos que desconciertan a la historiografía desorientada, hasta las impresiones de cuñas sobre tabletas de arcilla, el proceso del dibujo convertido en grabado sobre superficies líticas, metálicas y ahora plásticas, ha sido una constante, época tras época.

Conforme la tecnología de la impresión avanzó, esta actividad se fue desenvolviendo cada vez con mayor destreza y se convirtió en la primera fuente de comunicación gráfica que llegó a una gran cantidad de personas, pues de un original pueden salir copias y copias sin que las matrices sufran el menor deterioro.

Sin embargo, el grabado dentro del Arte no es muy gustado ni valorado, a pesar de que entre sus grandes nombres surgidos a partir del Renacimiento, hay figuras como la de Alberto Durero, cuya obra al respecto es casi perfecta, hasta artistas misteriosos y más cercanos. como Escher; o mexicanos comprometidos como Alberto Beltrán, que se solidarizó con los niños grabadores e impresores de la Escuela Experimental Freinet de Patricio Redondo. 

La obra que aparece en el extremo superior de la portada es un grabado surgido de un dibujo, ejecutado por el artista Gustave Doré que deslumbró a sus coterráneos de Estrasburgo cuando mostró sus grandes talentos y hablilidades para el dibujo desde su infancia, y a los quince años ya cobraba bastante por sus trabajos que comenzaron a publicarse en Paris casi de inmediato desde sus primeros que tituló "Los Trabajos de Hércules"

A él se le deben imágenes que se convirtieron en distintivas de personajes de la gran literatura como Don Quijote y Sancho Panza, protagonistas de la obra más importante jamás escrita.

Su exito se extendió, primero a Inglaterra, donde le contrataron con 10 libras esterlinas al año, cantidad que entonces era enorme, y ahí ilustró numerosas novelas y poesías, incluyendo la Biblia anglicana. Viajó mucho, e incluso visitó México como parte de un proyecto editorial titulado "Les États Unis et le Mexique", realizado en 1862, en los tiempo que Inglaterra, España y Francia decidieron invadir México.

Un prelado fundamentalista muy docto e interesado en su obra se dedicó a catalogarla. y en 1931 se publicó un "catálogo razonado" en el que se contabilizan 9850 ilustraciones, 68 títulos de música, 5 affiches, 51 litografías, 283 acuarelas, 133 pinturas (algunas de gran tamaño) y 45 esculturas; entre otros ingenios creativos que preludiaron el nacimiento del cinematógrafo, y dieron idea para que, por ejemplo, el cineasta Meliés, usara sus dibujos para "De la Tierra a la Luna" de Verne, como base de ambientación creativa de la primera película de ficción y efectos especiales del Séptimo Arte.

Murió a los 51 años en Paris por exceso de trabajo... y diversión bon vivant.

LA NOBLE PERFECCION DE AGATHOS DAIMON

Los volúmenes dimensionales de la NATURALEZA

tangibles a través de la vista y el tacto

en el Humano adquieren el valor de lo perdurable,

manifiesto en el arte de la ESCULTURA.

La que en nahuatl llamaron

TLAKUIYOTL.

De donde deribó TLACUILO 

RAH

La palabra escultura prácticamente se pronuncia casi igual en muchas lenguas del mundo que heredaron del latín el término "SCULPTURA". Aunque los turcos, los chinos, los hebreos, los árabes, los eslovenos, los galeses, y por supuesto, todas las lenguas de este Continente eje y Asia, tienen sus propios sustantivos al respecto.

Este término lo empezaron a aplicar los Etruscos al trabajo del tallado de materiales duros como el mármol, desde antes del encumbramiento del pueblo de Latium, (que hablaba dos tipos de latín), y que aprendió el arte precisamente de sus vecinos, los Etruscos; y copiaron en todo lo que pudieron a los Helenos, que al referirse a estas obras de arte, pronunciaban la palabra GLIPTIKI, y la escribían con las letras de su alfabeto. 

Si bien el Arte primitivo tuvo como primer pincel a los propios dedos y como tintura usaron lodos y hasta su propios excrementos para pintar las paredes cavernarias, fueron sus manos, las que plasmaron por todos los lugares que poblaron, su herramienta básica para modelar, para dar forma a sus utensilios de la vida cotidiana, en ese mundo sin horas ni fechas, sobre todo cuando pudieron controlar el fuego y domesticarlo.

Por supuesto, en ese mundo de la Pre HISTORIA, el término ARTE, como se considera en este periodo de la civilización contemporánea, no existía ni tenía razón de existir.

Los que más o menos sabían representar las formas de lo que veían, dejaron sus escenas de la vida, sus actividades, sus cuerpos, sus miedos, sus fantasías, sus abstracciones, y sus experiencias con seres extraños que vinieron quién sabe de dónde y quién sabe a qué. Pero lo que estas entidades aprendieron, es todo lo que hasta hoy se conoce.

Desde aquellas remotas eras, la manufactura de obras MOLDEADAS, TALLADAS Y ESCULPIDAS se ha venido desarrollando y evolucionando sin cesar; al igual que la pintura.

Pero fueron indudablemente los escultores dorios, corintios y jónicos, quienes llevaron al exceso de perfección a la figura humana, en especial, la masculina.

La tercera de las imágenes de la portada, es precisamente una escultura grecoromana que se encuentra en exhibición permanente en el Alte Museum de Berlín, y es una pieza fundamental de la Antikensammlung, la coleción de arte escultórico griego y romano adquirida poco a poco en Italia por diversos reyes y príncipes teutones desde el siglo XVIII.

Esta en cuestión tiene características que la hacen única.

Primero, el cuerpo de la estatua marmórea fue hecho por griegos para representar a un dios que se podría asimilar al "angel de la guarda" de las culturas cristianas, aunque para ellos, era un demonio benéfico que se aparece a los humanos cuando estos necesitan de su ayuda. y por ello le nombraron AGATHOS DAIMON; algo así como "noble demonio".

Segundo, a causa de los megasismos tan comunes y corrientes en esa parte del Planeta, perdió un día la cabeza, y así la conservaron por generaciones hasta que pasó a ser patrimonio romano, que aunque descabezada, seguía teniendo la misma fuerza mística que la originó.

Cuando gobernó como Imperator el hispano Adriano, y este perdió a su joven amado, ANTINOO, comenzaron a proliferar todo tipo de esculturas para representarlo hasta como dios egipcio, y una de las cabezas hechas para la Villa Adriana de este efebo, fue colocada sobre la escultura de Agatodemo, como en español se escribe. Y desde aquel momento se la conoce completa.

Esta pieza por si misma puede ser representativa del arte escultórico universal, muy por encima del mismísimo David de Miguel Angel Buonarotti.

LO IMPRESIONANTE DEL PAISAJE

El paisaje es el entorno de nuestra visión.

Es la vastedad que está frente a nuestros ojos:

La Naturaleza, Lo Celeste, Lo Cósmico,

Lo Fantástico y Lo Urbano.

Dentro de lo que conocemos como ARTE, el PAISAJE ha sido el gran reto de todo pintor que ame y desee representar lo que cualquiera puede ver; pero sólo el artista puede expresarlo y percibirlo, de un modo casi místico.

Los artistas que pintaron sus actividades vitales en los muros de las cuevas, no necesitaron pintar el paisaje, pues el paisaje estaba en su estado primigenio, al menos el que pudieron ver aquellas personas en la remota antigüedad.

Y lo mismo ocurrió con los pueblos que pasaron de la pinta de muros a las tallas de piedras, desde las más simples hasta las más complejas, y crearon sobre las mismas superficies, los primeros signos literarios, es decir, las letras, que primero se desarrollaron como símbolos concretos y abstractos.

Las selvas fueron y siguen siendo el marco perfecto de esa magnificencia expresiva, expresada en las grandes edificaciones de su mundo. Pero fueron los Egipcios quienes le dieron el ARTE a su entorno, aunque este sea sólo desierto; y los muros, pasaron a representar los conocimientos enigmáticos, su magia, sus conjuros y alabanzas en jeroglifos, la vida diaria y ordinaria, el divinego faraonesco y lo que pasaba en El Nilo, con sus aves, sus ofidios y sus peces. Los mismo sobre piedras que sobre papiro; el primer soporte técnico de la pintura que se puede movilizar.

Desde muy antiguo, los pueblos del Oriente fueron los primeros en representar todo tipo de paisajes en sus obras pictóricas, escultóricas y arquitectónicas. Y la mayor muestra está en La India.

Más al norte, en lo que siempre ha sido China, los chinos, gracias a que descubrieron, desarrollaron y usaron la tinta y el papel, dejaron constancia exacta, por ejemplo, de sus montañas misteriosas y su literatura compleja y pura. Y Japon, por supuesto, forma parte de este concepto, en que el paisaje se convitió en icónico de sus sucesos más traumatizantes.

Pero en el resto del orbe, donde habia pinturas y pintores, estos no sabían como hacerle, y se quedaron en los trazos que siempre se hacen cuando se es niño/a; solo los romanos intentaron en el proceso final de su decadencia, incluir paisajes en sus pinturas de los burdeles de Herculano y Pompeya, cuando la prostitucíon era un oficio regulado por el Estado.

Con la irrupción del Cristianismo en el Occidente, sobre todo a partir de la Edad Media, los pintores fueron llevados a realizar los primeros cuadros en los que el paisaje era pintado muy ingenuamente, y siempre en función de transmitir las ideas dogmáticas sobre el paraíso y el infierno.

La Alquimia de los Paises Bajos hizo posible que apareciera la pintura de aceite u óleo surgida de aquella que usaron los bizantinos y se le dio en llamar "pintura al temple", y que significó desde entonces, la liberación del arte pictórico y la aparición de una pléyade de pintores que hicieron posible que el Paisaje pasara a ser protagónico del Arte, aunque nunca dejó de estar ligado a lo místico, lo religioso y lo ficticio, como los entornos decorativos que rodean las alegorías que florecieron en el Renacimiento.

Al llegar el siglo XVII, los Flamencos llevaron el Paisaje pintado con realismo y gran detalle, a ocupar un lugar primordial en el ARTE, y su influencia se extendió por todo el Mundo. Sin embargo la tónica del PAISAJE era un tanto oscura y tenebrista, pues reflejaba la climatología del Continente del común denominador. Y pertenece a ese período llamado Barroco, la proliferación de la temática paisajista, principalmente urbana y rural, que de inmediato se convirtió en producto del comercio nacional e internacional, y de pronto, todos los pintores quisieron ser paisajistas, y así se llegó a al pasado siglo XIX.

En Paris fue donde el ARTE se transformó y rompió con las propias reglas y vicios de los gremios de artistas, sometidos y dominados por el clero y la nobleza...

...Y entonces el Paisaje, adquírió el sitio más preciso y precioso de la pintura que desde un principio impresiónó. Y por éso. lo más distintivo del ARTE IMPRESIONISTA, es el Paisaje.

Le Loing de Monet
Armand Guillaumin

Este cuadro en tonos de azul que trata de retratar el instante de luz sobre un ángulo del rio Loing, que es uno de los afluentes del Sena antes de llegar a París y uno de los temas predilectos de Monet, "el padre del Impresionismo", fue hecho por uno que no llegó ni siquiera a ser famoso, a pesar de ser íntimo de superfamosos: Jean-Baptiste Armand Guillaumin, que nació (1841) 3 días después que en México, el estado de Tabasco se separó de la nación y se hizo ilusoriamente independiente; y murió (1927) casi un mes después que el teutónico Lindbergh hubiese llegado a París volando él solito y el "Espíritu de San Luis".

El realmente era un ingeniero civil capacitado para la construcción de lineas de ferrocarril.

Su primera exposición como pintor, fue en el llamado "Salon de los Rechazados" en 1863.

http://www.royal-painting.com/fine-arts/Armand-Guillaumin/Moret--July/oil-painting-19636.htm

EL ROSTRO DE SALAI

El cuadro de la parte alta de lado izquierdo no necesitaría presentación, todo mundo al menos la conoce como La Gioconda o la Monna Lisa, y hasta los que de arte no saben nada, si les preguntan de quién es, dirán: LEONARDO DA VINCI.

Y si, la pintó él, y no por encargo de ningún notario rico, sino que a los 50 años decidió comenzar con una obra, que nunca terminó.

El tenía una misteriosa obsesión: su propio rostro y el de los demás. 

Era el tercer año del siglo XVI, cuando comenzó a trazar lo que sería la distribución técnica del cuadro sobre un trozo de madera de álamo que el mísmo había tratado con sus secretos menjurjes.

Para entonces, el vivía con Il Salaio de tiempo completo, y desde que llegó a su vida dos años antes del "descubrimiento de América", fue su muso y cuanto cuadro pintaba, incluía sus rasgos que eran muy bellos. Y por supuesto estarían incluidos en su cuadro.

A Gian Giacomo Caprotti da Oreno lo había empezado a tratar después de que le fue entregado por su madre, del mismo nombre que la suya, para que lo cuidara de por vida, cuando tenía casi 12 años y ya era un Adonis.  Y así lo hizo hasta que murió en sus brazos, no los del rey francés, como se lo imaginó Ingres siglos después.

Cuando comenzó a pintar el retrato más famoso y misterioso del mundo coincidió con su partida inesperada de Milán, porque su mecenas y protector, el tremendo Ludovico Il Moro, había perdido el Milanesado en manos de los franceses, y junto con Salai, partieron hacia Venecia, y de su paso por los Alpes, obtuvo los paisajes y las perspectivas del paisaje que está en el fondo del cuadro, y cuyo centro cubre el busto y rostro de la señora que, para los empecinados en seguirle el juego a Giorgio Vassari, fue Lisa Gherardini, que "estaba enbarazada" y que "Mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos".

En ese lapso los españoles conquistaron el reino de Nápoles, encontraron las islas Bermudas y las Caimán, y fundaron la Casa de contratación de Sevilla para contrololar todo lo controlable en tierras que ya empezaban a llamarse "América".

Mientras, el papado había estrenado dos papas en menos de un año (el primero seguramente tomó "tecito antes de morir" al mes de ser nombrado pontífice). ¡Ah!. y hacia fin de ese 1503, habría de nacer Nostradamus.

Tres años después ya la había casi concluido pues casi todos los días trabajaba en ella; y junto con su joven asistente, no volvió a separarse nunca de este cuadro, que lo heredó Salai, quien a su vez se lo vendió al rey francés.

Por supuesto, al mismo tiempo, ya establecido en la ciudad de los canales, los dogos y los casanovas se dedicó a seguir inventando cosas como las escafandras, diseñando obras de ingeniería hidráulica y tambíen concibiendo puentes  como uno que uniera Europa con Asia a través del Bósforo.

Y como no dejó nunca de pintar ni de dibujar ni de escribir, por esas fecha presentó al público el mejor retrato de su protegido en la personalidad de San Juan Bautista, que fue un éxito público de inmediato, y había colas para poderlo ver.

Aunque su cuadrito más querido no era conocido.

El misterio y la historia particular de este cuadro que retrata a una mujer cachetona y poco agraciada, lo dejamos para otro blog.

El cuadro más protegido del mundo, tal cual se encuentra
en el Museo de Louvre de Paris
Foto Aviel Guerra
18 de Septiembre de 2003

LA PORTADA

En primer lugar está dando base a las obras maestras de la portada, una página de un libro de arte o artbook, diseñado por Daniela Meloni, una artista italiana radicada en Londres después de haber estudiado Diseño Visual en Florencia, y no hace mucho ha obtenido la Maestría en Graphic Branding and Identity en el London College of Communications. Por su cuenta trabaja para muy importantes agencias de diseño en Inglaterra.

Ulises Carrión, en las décadas de los 70s a 90s reunió una gran cantidad de estas obras de arte gráfico, particularmente del Reino Unido, y él mismo realizó varias que están resguardados por la Gate Foundation de Amsterdam.

http://www.brandingmagazine.com/2011/02/12/daniela-meloni/

SANAT-ARTIS

EL ARTE

ESENCIA DE LA NATURALEZA

CREATIVIDAD DE LA HUMANIDAD

CONECTIVIDAD ENTRE LOS SERES

TRASCENDENCIA DE LA VIDA

RAH

Con esta entrada quiero presentar este blog abierto a todos, en el que podrán ir visualizando su contenido, donde la presencia de esta actividad cultural irá de lo prehistórico a lo actual.  


La elección del título de TODO ARTE, es porque aquí habrán de estar incluidos y manifiestos, la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, las letras, la fotografía, las técnicas contemporáneas y todos los afines. Y la dirección sanat-artis, es un tributo a este sustantivo en dos lenguas, turco y latín, cuyos hablantes han sido crisoles de las bellezas culturales que nos han legado a través del tiempo.